< 원시 시대의 벽화 >
"최초로 그림을 그리기 시작한 것은 누구일까요?" 처음으로 그림을 그리기 시작한 사람들은 아주 아주 옛날에 살았던 원시인들입니다. 이들은 무리를 지어 동굴에서 살았고, 돌로 도구를 만들어 사냥을 하거나 물고기를 잡으며 생활하였습니다. 그리고 또한 문자를 쓰기 이전에, 동굴 안의 벽에 그림을 그렸는데 이것을 "벽화"라고 한답니다. 지금까지 발견된 가장 오래된 벽화 중에는 스페인에 있는 <알타미라 동굴 벽화>와 프랑스의 <라스코 동굴 벽화>가 있습니다. <알타미라 동굴 벽화>에서는 들소의 모습이, 그리고 <라스코 동굴 벽화>에서는 들소 외에도 여러 가지의 야생 동물의 모습이 보이죠?
 
  알타미라 동굴의 들소
  라스코 동굴 벽화
   
그렇다면 이들은 왜 동굴의 벽에 이러한 그림을 그렸을까요? 동굴을 예쁘게 꾸미기 위해서 였을까요? 원시인들은 동물을 사냥하면서 생활했고, 그것은 무엇보다도 배고픔을 달래기 위함이었어요. 그렇다면 원시인들이 동굴의 벽에 온통 동물의 그림을 그려놓은 것은, 사냥 감이 계속해서 많이 잡혀서 자신들의 배를 부르게 할 수 있도록 빌기 위해서 였을 거에요! 이처럼 원시 시대의 동굴 벽화를 통해서 우리는 원시인들이 어떻게 살았고 그들이 살아가는 데에 있어서 '사냥'이 얼마나 중요했는지 살펴볼 수 있어요.
 
<알타미라 동굴의 들소> 기원전 15000년 - 12000년경
<라스코 동굴 벽화> 프랑스 라스코 지방의 동굴 벽화 중 기원전 15000 - 10000 년경
   
 
< 고대 - 이집트 ,그리스 >
이집트 사람과 그리스 사람은 어떻게 다르게 생겼을까요?"
사냥하고 돌아다니면서 동굴에서 살았던 원시인들은 이제 큰 강 지역을 중심으로 집을 짓고 농사를 지으면서 한 곳에 정착하며 살기 시작했습니다. 이들은 여러 무리로 뭉쳐서 "도시"를 만들어 냈을 뿐 만 아니라, 문자를 만들어서 사용했습니다. 이 때를 바로 "고대 문명" 시대라고 하지요. 이 중에서도 특히 발달한 곳은 나일강 유역의 이집트 문명과 지중해 지역의 그리스 문명이라 할 수 있습니다.
 
* 이집트
 "이집트"하면 생각하는 것은 주로 '피라미드', '스핑크스', '미이라' 등이라 할 수 있죠. 이집트 사람들은 사람이 죽은 후에 다시 살아 날 수 있다고 믿었고, 왕인 '파라오'의 죽은 시체를 썩지 않게 잘 보존 시켰습니다. 이 것이 바로 "미이라"이고, 이런 미이라를 안전하게 모셔놓은 어마어마한 크기의 왕의 무덤이 "피라미드" 랍니다. 그리고 이집트 사람들이 그린 그림은 바로 이 피라미드 속에 많이 있답니다.
 
  애도하는 여인들
  새 사냥
  라스코 동굴 벽화
 
그림에서는 그 때 살았던 이집트 사람들의 모습과 독특한 이집트의 "상형문자(그림문자)"가 등장합니다. 이집트 사람들은 더운 날씨 때문에 맨발이거나 샌달을 신었으며, 남자들은 치마처럼 몸에 두른 천을, 그리고 여자들은 긴 천을 몸에 걸쳤어요.
높은 신분의 왕족이나 귀족들은 특히 단발형의 머리에 쓴 모자나 머리띠의 장식 그리고 목이나 팔에 한 장신구를 하고 있음을 살펴볼 수 있어요. 그런데 혹시 이상한 점을 발견하지 못했나요? 맞아요! 사람의 얼굴은 옆 모습이면서 동시에 눈은 앞을 보고 있고, 몸의 윗부분은 앞 모습이면서 다리는 거의 항상 옆으로 되어있죠? 보통 사람이면 이런 자세와 모습이 가능할까요? 그렇다면 왜 이렇게 그렸을까요? 이러한 어색한 자세는 다음과 같은 이유 때문이 아닐까요? 이집트 화가들은 오똑한 코를 나타내기 위해 얼굴의 옆 모습을 그렸고, 이렇게 그리다 보니 사람의 눈과 눈동자가 정확히 보이지 않게 되었습니다. 그래서 다시 눈 부분은 앞 모습으로 그리게 된 것입니다. 마찬가지로 몸의 정면의 모습을 그린 화가들은 결국 발 모양을 나타낼 수 없게 되어, 다리와 발을 그릴 때 에는 특별히 옆 모습으로 그리게 된 것이랍니다. 그러니 진짜 살아있는 사람 같지 않죠?
  상형문자
 
 
* 그리스
"그리스 신화"를 읽어 본적이 있나요? 그리스 사람들은 제우스, 아테네, 비너스, 헤라클레스 등의 신들을 믿었고, 이러한 신들의 이야기를 일컬어 "신화"라고 합니다. 그 신화 속에는 우리가 흔히 잘 아는 "트로이의 목마" 이야기 등의 이야기들이 담겨져 있어요. "올림픽과 마라톤 이야기"는 그리스 시대에 이루어졌던 실제의 이야기랍니다.
# 그리스 신화와 여러 가지의 재미난 이야기들을 직접 찾아서 읽어보세요!
 
  파르테논 신전 프리즈 부조
사자를 죽이는네레이드이 제전
바다의 여신인 네레이드의 제전

 
그리스는 "폴리스"라 불리는 수백개의 작은 도시 국가로 이루어져 있었고, 하나의 도시 국가에는 겨우 수백명의 사람들이 살았습니다. 도시의 가장 높은 언덕 위에는 가장 중요한 건물들이 세워졌는데, "신전"이 그 대표적인 예입니다. 그리스 사람들은 여러 신들을 섬기기 위해서 지금의 교회처럼 신을 모셔놓고 예배를 드리는 건물인 "신전"을 많이 지었는데, 신전 중에서 가장 유명한 것은 아테네 시에 있는 <판테온 신전>이예요. 전쟁의 여신인 아테네를 위해 지은 이 신전 역시 높은 언덕 위에 위치하여 멀리서 보이게끔 지었습니다.

또한 흰 대리석으로 만든 이 신전은 사각형의 형태로 한쪽으로 치우쳐지지 않고 완벽한 균형과 조화를 이룬답니다. 면마다 큰 돌기둥이 여러 개 나열되어있고 그 기둥은 무척 아름답습니다. 이처럼 그리스의 건물은 보통 기둥을 세우는 방법과 기둥에 새겨진 무늬에 따라 종류가 달라집니다. 이외에도 그리스 사람들은 특히 사람의 몸이 지니는 아름다움에 대해서 무척 관심이 많았어요. 그래서 벌거벗은 사람들을 많이 그리고 조각한 것은 그만큼 사람의 몸에 대해서 관심이 많았기 때문이죠. 그리스의 유명한 조각가인 폴리클레이토스의 조각 작품인 <두리포로스>에서 균형이 아주 잘 잡힌 남자의 몸이 아름다운 것을 살펴볼 수 있어요. 폴리클레이토스는 그리스인들이 믿는 신처럼 인간을 이상적이고 완벽한 모습으로 나타내려고 했던 것 같아요.
 
<애도하는 여인들> 라모세 고분의 벽화, 테베, 이집트 기원전 1370년경
<라스코 동굴 벽화> 고분벽화 BC. 1400
<상형문자> 라메세스 2세 신전에서 출토 BC1250
<파르테논 신전 프리즈 부조> BC 5C
 
 
< 로마 시대와 중세 그리고 기독교 미술 >
 

" 모든 것은 하느님의 품 안에서..."

그리스 시대를 지나 로마 시대에 예수님이 나타나셨고, 많은 사람들이 예수님의 뜻을 따라 기독교인이 되었어요. 그러나 욕심 많은 로마 황제는 사람들이 예수님만을 섬길 것을 두려워한 나머지, 예수님을 십자가에 못 박혀 죽게 했고 기독교인들이 모여서 예배를 볼 수 없도록 방해했습니다.그래서 기독교인들은 지하 무덤 같은 곳에서 몰래 예배를 보았고, 그 지하 무덤에는 예수님의 말씀을 전달해 주는 그림들이 벽에 그려져 있답니다. 이 때 대부분의 기독교인들은 글을 읽을 줄 몰랐기 때문에 성서의 내용을 전달하기 위해서는 이러한 그림들이 꼭 필요했던 것이죠.


그러던 어느날 로마의 콘스탄티누스 황제가 기독교인들이 자유롭게 예배를 볼 수 있도록 허락했고 기독교를 정식으로 국가의 종교로 받아들였어요. 이에 따라 사람들은 많은 교회를 짓게 되었고, 그 교회 내부에 성서 이야기나 하느님과 예수님의 말씀을 담은 그림과 조각들을 그리고 만들었어요. 이런 그림을 일컬어 우리는 '종교화'라 하고, 로마 시대 이후의 '중세'라는 시대에는 특히 종교화가 발달했으며 모든 것이 기독교와 기독교의 교리 중심으로 이루어졌어요.

'중세' 시대에는 하늘에 계신 하느님과 더욱 가까워지기 위해 교회를 아주 높이, 그리고 뾰족하게 지었고, 창문을 여러 가지의 색유리로 만들어져서 아름답게 꾸몄답니다. 여러분이 어쩌면 봤을 지도 모르는 만화영화 '노트르담의 꼽추'에서 나오는 노트르담 성당도 이 때 지은 것이랍니다. 교회 안에 있는 창문들은 '유리화(스테인드글라스)'로 제작하였지요. '유리화'는 아마도 미술 시간에 한 번쯤은 해봤을지도 모르겠지만 여러 가지 색의 유리를 이용하거나 유리위에 그림을 그려 형형색색의 창문을 만든 것이지요. 이렇게 만든 '유리화'들은 햇빛을 받으면 더더욱 곱고 화려하답니다.


파리 생트 샤펠 성당의 내부     
   
또 중세 시대의 벽화를 자세히 살펴보면, 예수님이 중심에서 가장 큰 모습으로 그려져 있고 양쪽에 제자들이 나란히 서있어요. 그림 속 인물들은 어떤가요? 인물들은 마치 앞을 향해 뚫어지게 쳐다보는 듯이 얼굴 표정이 굳어 있고 어색하고 딱딱하게 그려져 있습니다. 그리고 예수님의 주변이 황금색으로 칠해진 환상적인 그림 속에서 인물들은 살아 있는 사람 같지 않게 느껴진답니다.
 
<파리 생트 샤펠 성당의 내부> 1245년 - 48년
 
 
< 르네상스 >

"좀 더 진짜 사람 같아졌네요~"

'중세'시대가 거의 끝나 갈 무렵에 '상인'이라는 사람들은 동방에서 들여온 여러 가지의 신기한 물건을 팔아서 돈을 모으게 되었어요. 그리고 이들은 이 돈으로 큰 도시를 만들었을 뿐 만 아니라, 훌륭한 학자들과 예술가들을 적극적으로 지원하게 되었습니다. 이렇게 해서 새로운 문화를 꽃피우게 된 것이 바로 '르네상스'시대 입니다. 혹시 '르네상스'라고 들어봤나요? 이것은 프랑스어로 "다시 태어나다"는 뜻이에요. 그렇다면 무엇이다시 태어났다는 것일까요? 사람들은 한참 기독교와 하느님을 섬겼고, 모든 미술 활동도 이에 따라 이루어 졌습니다. 그러나 그것이 너무 심해져서, 그림 속의 사람들은 진짜 사람 같지 않고 그림 자체도 정말 이루어진 일 같지 않고 환상 같기만 했죠. 이에 반발해서 사람들 사이에는 그 이전 그리스 시대에서처럼 '인간'에 대한 관심이 다시 일어났어요. 바로 이처럼 옛날 그리스를 본받고 '인간'에 대한 새로운 관심을 다시 이루려고 하는 것을 '르네상스'라고 하는 거에요. 물론 사람들은 아직까지 기독교를 굳게 믿고 있었지만, 이전처럼 오로지 기독교와 하느님 중심에서만 모든 것을 이룬 것은 아닙니다. 다시 말해서 하느님을 섬겼지만, 하느님과 예수님 그리고 성서의 이야기만 그린 것이 아니라 사람들의 이야기도 아울러 그리게 되었지요.

그렇다면 바다의 물거품에서 태어난 그리스의 미의 여신 비너스를 그린 <비너스의 탄생>은 이전의 그림과 어떻게 다를까요? 이 그림에서는 우선 성서나 하느님의 이야기가 아닌 옛날 그리스의 신화 이야기가 그려져 있죠? 그리고 그리스에서 그린 그림처럼 주인공이 벌거벗은 모습으로 나타났죠? 사실 교회에서는 벌거벗은 사람을 그리는 것이 금지하였고 거의 엄숙하고 딱딱한 그림만 그렸지만, 이 때에 이르러서는 사람의 몸과 그 아름다움에 대해서 다시 관심을 갖게 된 것입니다. 또 르네상스 시대에는 특별히 '명암법'과 '원근법'이라는 그림 그리는 법을 발견하기도 했지요!

'명암법'은 '앞으로 나온 부분은 나와 보이게, 안으로 들어간 부분은 들어가 보이게' 그리고 '원근법'은 '멀리 있는 것이 가까이 있는 것 보다 작게 보이게' 그리는 것입니다. 이 두 가지는 사람과 그 주변 공간 모두를 더욱 사실처럼 느껴지게 하는 과학적인 방법이라고 할 수 있어요. 특히 '원근법'은 아래의 그림 (우첼로의 <산 로마노 전투> 참조)에서 보여지듯이 뒤로 갈수록 화면 한 가운데의 점으로 모아지는 하나의 삼각형 틀에 맞춰서 그릴 수 있답니다. 그렇다면 마사치오라는 이 당시의 유명한 화가의 그림 <성삼위일체>를 자세히 살펴볼까요?

 
  비너스의 탄생
  산 로마노 전투
 

이전의 중세 시대의 그림들에서는 주인공 인물 외에는 특별한 배경이 없는 반면에, 르네상스 시대의 그림 <성삼위일체>에서는 십자가에 못 박힌 예수님 뒤로 뒤를 향해 뻗어 나가는 공간이 보이죠? 이처럼 평평한 면 위에 그려진 그림이 마치 실제로 존재하는 듯이 착각을 일으킬 수 있었던 것은 다 '명암법'과 '원근법'의 덕분이죠.

이외에도 여러분이 이름만 들어도 금방 알만한 화가들도 많이 활동했지요. 레오나르도 다빈치, 미켈란젤로, 라파엘로 등이 그 사람들이에요. 이 사람들은 공통적으로 이태리 사람들이었는데, 그것은 '르네상스'가 이태리 중심으로 시작되었기 때문이죠.

레오나르도 다빈치의 그림 <모나리자>(1502)의 주인공 '모나리자'는 성서에 나오는 인물도 아니고, 그저 그 당시에 살았던 보통 사람이었을 뿐입니다. 이 그림에서 다빈치는 '원근법'도 사용했어요. 앞에 앉은 주인공 모나리자는 명확하게 그려져 있는 반면, 뒤에 있는 풍경은 안개가 낀 듯 흐릿하죠? 우리가 보기에는 멀리 있는 풍경보다는 주인공의 모습이 더욱 가까이 있으므로, 다빈치는 일부러 뒤의 풍경을 흐릿하게 그린 것입니다. 여러분들도 밖에 놀러 나갈 때 가족 사진을 찍으면서, 앞에 있는 가족의 얼굴보다 뒤에 있는 풍경이 선명하지 않게 나오는 것을 볼 수 있을 거예요.

   삼위 일체
 
로마의 시스틴 성당 안의 천정화 그림들(1508-12)을 제작한 것으로 유명한 미켈란젤로는 손가락을 뻗어 아담을 창조하는 하느님을 한 사람의 '인간'처럼 그것도 거의 옷을 걸치지 않은 채 그렸어요.

그 이전에는 하느님을 감히 그림 속에 담지 못했다면, 이 그림에서는 하느님이 '아담'과 거의 똑 같은 인간의 모습으로 그려져 있죠? 미켈란젤로는 또한 그림 속의 등장 인물을 실제 살아 있는 듯 살을 붙이고 명암을 가하여 생생하게 그린 것으로 르네상스의 훌륭한 화가로 평가 받고 있어요.

   모나리자
시스틴 성당 천장화   
 
 
이처럼 르네상스의 화가들은 하느님과 천사보다는 '사람'을 그리기를 좋아했고, 그림 속에 그려진 사람을 마치 진짜 살아 있는 실제의 사람처럼 생생한 느낌으로 표현하기 위하여 무척 노력했답니다.

 
<비너스의 탄생> 산드로 보티첼리, 1485 - 86년경 280 x 175cm
<산 로마노 전투> 파올로 우첼로, 1460년, 178 x 75cm
<삼위일체> 마사치오, 1425년, 316 x 670cm
<모나리자> 레오라르도 다 빈치, 1503 ~ 1506년, 77 x 63cm
<시스틴 성당 천장화> 미켈란젤로, 1508년 - 1512년, 프레스코화 36 x 13cm
 
 
< 바로코와 로코코 >

"꿈틀대고 움직이는 그림을 보세요!" 시대는 아주 빨리 발달하고 있었어요. 서구 사람들은 지구가 둥글다는 것을 보여주기 위해 배를 타고 세계로 진출하기 시작했습니다. 그래서 서구인들은 아시아와 미국 대륙을 처음으로 발견하게 되었고, 그 이후로 국가별로 발견한 땅을 식민지로 삼으며 더욱 부유해지고 힘도 키워나갔습니다. 결국 각 나라의 왕이 교황보다 더 강해졌고, 귀족들은 아주 사치스럽고 화려한 생활을 하게 되었어요.

여러분이 잘 아는 "삼총사"나 "베르사이유의 장미" 이야기의 배경도 이 시대랍니다. 특히 만화 "베르사이유의 장미"에서의 "베르사이유"는 당시의 대표적인 궁전인 베르사이유 궁전을 가르키고, 거기에 등장하는 프랑스 왕 루이16세와 왕비 마리 앙트와네트 그리고 그 주변의 귀족들은 거의 다 이 시대에 실제로 살았던 사람들이랍니다. 이처럼 왕과 귀족들이 화려하고 아름다운 모습으로 사는 동안, 백성들은 굶주리고 무척 불행하게 살았답니다. 그리고 견디다 못한 백성들이 일으킨 것이 바로 프랑스 시민 혁명이에요! 그렇다면 미술은 그 이전의 "르네상스"시기와 어떻게 다를까요?

그 이전까지 "균형"과 "조화"를 중요시했던 화가들은 이제 빨리 움직이는 세상에 발맞춰 그림 속에서도 무엇인가 움직이는 것을 그리려고 했지요. 그렇다면 어떤 방식으로 그림 속에 "움직임"을 표현했을까요? 우선 완전히 정지된 모습보다는 움직이는 모습을 그렸고, 그러다 보니 사람과 사물간의 윤곽선이 명확하지 않았습니다. 또한 이 시대의 그림들에서는 강조하고 싶은 부분은 눈부실 정도로 아주 밝게 그리고 나머지 부분은 어둡게 색칠하는 특징을 주로 보인답니다.
이 당시 대표적인 화가로는 특히 네덜란드와 플랑드르 지방 중심의 루벤스나 램브란트가 가장 유명 했어요.

루벤스의 그림 <루시포스 딸들의 강탈>(1617)을 자세히 살펴보면, 등장 인물들이 가만히 있지 않는 모습으로 그려져 있죠? 이 장면은 제우스 신의 쌍둥이 아들들이 루시포스의 딸들을 납치해가는 이야기인데, 붙잡으려는 남자들과 도망치려는 여자들의 움직임이 아주 생생하게 느껴지죠? 이렇게 움직이는 모습을 생생하게 그리다 보니 자연히 윤곽선은 그리 선명하지 않게 되었어요. 또한 바로크 시대의 화가들은 여러 색깔을 대비시켜서 그리기를 좋아했어요.
 
  사튀로스에게 놀라는 디아 의 님프들
 
이 그림에서도 벌거벗은 여자들이 하얗게 칠해진 반면 남자들은 그보다 어둡게 색칠해져 서로 비교되죠? 이 때에 활동한 또 한명의 유명한 화가 램브란트는 특히 당대에 살았던 주변 사람들의 "초상화"나 자기 자신을 그린 "자화상"을 주로 그렸는데, 그는 특이하게 가만히 앉아 있는 모습의 인물보다는 마치 움직이다가 갑자기 사진에 찍힌 듯한 자세로 사람들을 그리기를 좋아했어요. 그리고 사람의 굳은 표정 뿐만 아니라 웃고 화내는 등 여러 가지의 표정을 다양하게 그림 속에 담았어요.
 
<사튀로스에게 놀라는 디아 의 님프들>
루벤스 1638 ~ 40년, 128cmm x 314cmm, 마드리드 프라도 미술관소장
 
 
신고전주의
베르사이유 궁전에서 일은 하지 않고 놀고 먹는 귀족들에게 화가 난 시민들은 혁명을 일으키게 됩니다. 왕과 귀족들은 파리의 시민들에게 잡혀서 죽거나 감옥에 갇히게 되고, 시민들 중의 대표를 뽑아서 나라를 다스리게 되었답니다.
새롭게 나라를 다스리게 된 사람들은 이전의 귀족들이 즐겨 보던 루벤스나 렘브란트의 꿈틀대고 움직이는 그림대신 단순하고 균형 잡힌 그림들을 그리게 되었어요. 당시에는 화산재에 파묻혀 있던 로마의 헤르쿨라네움이나 폼페이의 유적들이 발견되어서 사람들이 옛날 로마 시대의 유물과 그림들에 대한 관심도 많이 생겨났답니다. 그러한 관심은 그림에도 나타나 고대 그리스나 로마의 조각상과 닮은 사람들을 그려서 마치 그림 안에 얼어붙은 것 같은 느낌도 준답니다. 그러나 렘브란트 그림과 같이 밝은 곳을 강조하고 나머지 부분을 어둡게 색칠하는 특징은 여전히 남아있었답니다.

소크라테스의 죽음
 다비드의 그림 <소크라테스의 죽음>(1787년)을 살펴보면, 이전의 그림들에서 보여지는 움직임이나 흔들리는 모습대신 한 순간 시간이 멈춰 정지되어 있는 듯한 모습으로 그려져 있는 것을 발견할 수 있어요. 소크라테스가 독배를 들고 마시려는 순간 슬퍼하는 제자들의 모습을 그린 것이에요. 소크라테스를 강하게 비추는 한 줄기 빛이 보이세요? 강렬한 빛은 그 주변의 어두움과 확실하게 구분되어 보인답니다. 소크라테스는 억울한 누명을 쓰고 독배를 마셔야 했는데, 끝까지 자신의 생각을 굽히지 않았다고 합니다.
앵그르는 <오달리스크>(1814) 같이 벌거벗은 여인들을 주로 그렸어요. 근데 루벤스의 <루시포스 딸들의 능욕>에서 나오는 여인들의 모습과 어떻게 다른지 비교해 보세요. 흐릿한 윤곽선과 움직임과 굴곡이 많은 루벤스 그림에 나오는 여인들에 비해 앵그르의 작품에 등장하는 여인은 단순한 윤곽선과 매끄러운 피부가 눈에 뜨이지 않으세요? 뒷배경의 어두움과 대조되는 하얀 살결은 눈부시게 빛나고 있습니다. 뒷모습을 보이며 우아하게 앉아있는 여인은 고요하고 차분한 분위기를 내며 너무나 생생하게 묘사되어 살아있는 듯한 느낌이 들기도 한답니다.
오달리스크
<소크라테스의 죽음> 자끄 루이 다비드 1787년, 196.2X129.5cm, 뉴욕 메트로폴리탄 미술관 소장
<오달리스크> 장 오귀스트 도미니크 앵그르 1814년, 161.9X89.5cm, 파리 루브르 박물관 소장
 
   
   
   
  낭만주의

  
  낭만주의라는 단어는 우리가 잘 아는 아서왕 이야기와 같은 중세의 모험담을 가리키는 말에서 유래되었어요. 낭만주의자들은 개인의 자유와 모험, 감정 등을 중요하게 생각하는 사람들이었답니다. 그래서 그림을 그릴 때도 자신이 좋아하는 이야기, 여행하면서 보고 느꼈던 아름다운 경험, 자연의 위대함과 아름다움에 받은 감동을 주제로 그리곤 했어요.
화가가 개인의 느낌과 경험을 그렸기 때문에 여러 화가들의 그림은 서로 다른 모습으로 나타났어요. 그래도 이전의 다비드나 앵그르의 작품과 같이 조용하고 단순하면서 균형과 조화를 중요시하는 작품들과는 다르게 활기차면서도 개성적인 작품들이 많이 그려졌답니다.

카오스섬의 대학살


 들라크로와의 <키오스섬의 학살>은 터키의 지배를 받고 있던 그리스 사람들이 독립을 위해 싸우는 전쟁을 주제로 그린 그림이에요. 프랑스와 멀리 떨어진 머나먼 나라이지만 불쌍한 사람들이 죽어 간다는 사실에 화도 나고 그들의 용감함에 감동을 받아 그림을 제작하게 되었답니다. 싸움에 지쳐서 축 늘어져 있는 사람들의 모습과 뒤에서는 아직도 싸움이 끝나지 않는 이 그림은 어딘지 모르게 슬프고 가련하게 보입니다. 화려한 색과 율동적인 윤곽선들은 루벤스의 그림을 생각나게 한답니다.
영국의 화가인 존 콘스터블은 자신이 살고 있는 고향 마을을 즐겨 그렸던 풍경화가 입니다. 고향마을에 있는 계곡과 산과 들 특히 하늘의 아름다움을 사랑한 화가였답니다. 그의 작품 <건초마차>도 조그만 개울을 건너가는 마차와 집, 나무, 드넓은 하늘이 인상적인 그림입니다. 소박한 마을의 모습은 어딘지 모르게 친근하게 느껴지고 마음을 편안하게 해준답니다.
건초마차

노예선
 터너는 시골마을 대신 도시의 모습이나 책의 내용이나 어떤 사건을 듣고 떠오르는 느낌을 그림으로 표현하는 화가입니다. <노예선>은 노예를 가득 싣고 영국으로 돌아오는 배에서 전염병이 돌자 선장이 죽은 노예들을 바다에 던져버린 사건을 듣고 그린 그림이에요. 그런데 노란색과 주홍색. 빨간색으로 칠해진 하늘과 갈색, 노란색, 푸른색으로 칠해진 바다만 보일 뿐 배와 바다에 던져진 노예들을 어디에 있는 것일까요? 터너는 이 그림처럼 사람이나, 건물, 배경을 자세히 표현하지 않고, 물감 범벅이 된 것 같은 모습의 그림을 자주 그렸어요. 그래서 터너의 그림을 좋아하지 않은 사람들도 있었답니다. 그렇지만 터너의 그림은 색의 조화와 아름다움이 돋보이고 보는 사람들의 감정을 자극하는 훌륭한 그림이에요.
<키오스섬의 학살> 외젠 들라크루아 1822-4년, 353X422cm, 파리 루브르 박물관 소장
<건초마차> 존 콘스터블 1821년, 185.4X130.2cm, 런던 내셔널갤러리 소장
<노예선> 조셉 말러드 윌리암 터너 1840년, 121.9X90.8cm, 보스턴 파인아트 미술관 소장
 
 
< 현대미술 > "볼 거리가 너무너무 많아요..."
 

- 19세기 -

19세기의 시대 자체가 변화무쌍했듯이, 19세기의 미술도 무척 다양하게 변하면서 발전했어요.
19세기에는 1839년에 사진이 발명되는 등 과학이 더욱 발달했습니다. 특히 사진이 나온 후에 그림을 그리는 방향이 많이 달라졌습니다. 화가들이 아무리 그림을 잘 그리더라도 사진만큼 사물을 있는 그대로 찍어낼 수 없기 때문에, 이제는 사물의 겉 모습을 정확히 그리는 일은 의미가 없어졌습니다. 어떤 화가들은 심지어 더 이상 그림을 그리지 않고 사진사로 직업을 바꾸기도 했어요. 이렇게 해서 화가들은 실제 존재하는 것처럼 그려진 그림을 그리는 것을 최고의 목표로 두지 않게 되었고, 화가 각자의 개성에 따라 여러 가지의 다른 그림들을 그리게 되었습니다.

19세기 초반에는 "신고전주의", "낭만주의", "사실주의" 혹은 "자연주의"등의 미술이 발달했어요. 신고전주의에서는 신화나 영웅들의 "이야기"를, 낭만주의에서는 상상에 의해서 꾸며낸 이야기를, 그리고 사실주의나 자연주의에서는 평범한 사람들과 흔히 주변에서 볼 수 있는 일상적인 광경을 다루어서 그렸습니다. 그러나 현대 미술이 본격적으로 시작된 것은 19세기 중반 이후의 인상주의 미술에서부터 입니다.

* 인상주의 - "우리는 햇빛이 좋아요!"
대부분의 화가들은 그 이전까지 모두 작업실 안에서 물감을 직접 만들어서 그림을 그리곤 했어요. 그런데 과학이 보다 발달하여 화가들은 새롭게 발명된 기차를 타고 여기저기 다니면서 바깥의 풍경을 열심히 그릴 수 있게 되었어요. 그리고 가볍게 들고 다닐 수 있는 팔레트와 튜브 물감도 새로 생겨서 더욱 바깥으로 나가서 그림을 그리게 된 것이죠. 이처럼 "야외"에 나가서 눈에 비친 자연 풍경의 순간적인 인상, 그 중에서도 특히 반짝반짝 거리고 반사되면서 시시각각으로 움직이는 "햇빛"에 비친 자연이 그려진 그림을 "인상주의"라고 불렀습니다. 인상주의 화가들은 "움직이는 햇빛"중에서 한 순간을 포착하기 위해서, 여러 가지 색상의 물감을 섞지 않고 재빨리 점으로 찍어서 그렸어요. 그러나 이러한 방법은 지금까지의 그림들과 다르게 마치 아무렇게나 제멋대로 물감을 발라 놓은 것과 같은 인상을 주어, 처음에는 사람들이 그림을 보고 많이 눈살을 찌푸리고 비웃었어요.

모네의 그림 <인상,해돋이>에서는 해가 막 떠오르려는 순간에 안개 낀 항구와 배 그리고 바다의 모습이 그려져 있어요. 이 그림에서는 윤곽선이 정확하게 그어져 있지 않을 뿐 아니라, 우리가 흔히 머리 속에서 알고 있는 대로 하늘은 엷은 푸른색으로, 바다를 짙은 푸른색으로 그리고 해를 노란색으로 칠하는 것과는 다르게 여러 색깔들이 한꺼번에 칠해져 있어 그림 전체는 어른거리는 것만 같아요. 이것은 항구,배,바다 등의 모든 것이 시시때때로 변하는 붉은 아침 햇살에 젖은 모습으로 그려져 있기 때문이에요. ※ 이외에도 인상주의 화가 중에 드가와 르느와르의 그림들을 찾아보고 세 사람의 그림을 비교해 보세요!
 
  인상, 해돋이

* 신인상주의 - "계산해서 찍힌 점들…"
"신인상주의"라는 단어는 "인상주의"에다가 새로울 "신(新)"자를 앞에 붙인 것으로, 말 그대로 또 다른 새로운 인상주의를 뜻합니다. 인상주의 화가들은 그림을 그릴 때 붓으로 색칠하는 대신에 여러 가지 색깔의 점을 찍는 방법을 사용했는데, 신인상주의의 대표 화가 쇠라도 이 방법을 사용했습니다.

그렇지만 그는 보다 정확히 수학적으로 계산을 하여 명확히 구분 시킨 구역 안에 거의 동일한 크기의 점을 여러 가지의 색깔로 찍는 "점묘법"의 방법을 사용했어요. 따라서 인상주의 그림에서는 윤곽선이 선명하지 않고 그림 전체가 어른어른거린다면, 신인상주의 그림에서는 윤곽선이 분명히 드러나고 멀리서 보면 점이 아닌 넓은 면을 정확히 색칠한 것 같습니다.

그림 <일요일 오후의 그랑자트 섬>은 쇠라가 사다리를 놓고 그릴 정도로 아주 큰 그림으로, 수천개의 점들이 정확하게 계산되어서 찍혔다고 합니다. 이 그림을 자세히 살펴보면 여러 가지의 색깔 점들이 찍혀져 있�� 것이 보이죠?

 
그랑드자트 섬의 일요일

* 후기 인상주의와 세잔느
"후기 인상주의"하면 가장 먼저 떠오르는 것은 고갱과 고호의 두 화가와 이 두사람의 이상야릇한 친구 관계입니다. 성격이 너무나도 달랐던 두 사람은 같이 살기도 하고 함께 그림도 그리곤 했습니다. 그러나 이 두 사람의 성격이 달랐듯이 그림도 무척 다릅니다. 고갱은 강한 원색을 사용하기를 좋아했고, 고호는 구불구불 거리는 곡선을 즐겨서 그렸습니다. 그러면서도 두 사람의 그림에는 공통점도 있어요. 바로 그림을 통해서 마음 속의 감정을 솔직하게 드러냈다는 것이에요.

평생 외로움과 절망에 빠져서 산 고호는 정신병원에서 치료를 받으면서도 끊임없이 붓을 들고 그림을 그렸습니다. 그는 <해바라기>, <별과 달이 빛나는 밤> 등의 그림에서 구불구불 거리는 선들로 마음 속의 열정과 아픔과 불안을 나타냈습니다.

  해바라기
  별과 달이 빛나는 밤
  아베 마리아

고갱은 고호와 헤어진 후 복잡하고 세련된 기교로 그려진 그림에 싫증이 나서 남태평양의 작은 섬 타히티로 떠나서 그림을 그리게 되었습니다. 그는 거기서 때묻지 않은 자연 세계와 원주민들의 순수하고 솔직한 모습을 강렬한 원색으로 표현했습니다.

 
현대 미술의 아버지 세잔느는 사물의 모양을 원,사각형,삼각형 등의 입체감이 있는 형태로 관찰하여 그림 속에서 이를 그렸습니다. 예를 들어 그림 <커피 포트 옆에 있는 여인>에서 그는 여자의 얼굴을 "원"으로 그리고 몸통과 팔을 "원통"의 모양으로 바꾸어서 그렸어요. 이 그림은 사실 사람을 그린 초상화지만, 세잔느는 사람이 겉으로 보이는 대로 그리는 것보다는 기본적인 모양을 파악해서 그리는 것이 더 옳다고 생각했습니다.

마찬가지로 풍경화 그림 <생트 빅트와르산>에서도 산,집,들판이 삼각형,사각형,사다리꼴의 딱딱한 모양으로 묘사되어있고, 뒤의 산과 앞의 집들이 거리감이 느껴지지 않은 채 그저 여러 개의 도형을 위로 쌓아 올린 것과 같죠? 그 당시에 사람들은 이 그림을 이해할 수도 없고 받아들일 수도 없었습니다.

그러나 세잔느의 그림은 당시의 많은 젊은 세대 화가들에게 영향을 끼치게 되었고, 그 중에서도 20세기 이후의 입체주의 그림을 그린 피카소와 브라크에게 크나큰 영향을 주었습니다.


생트 빅투아르 산
   
<인상, 해돋이> 모네, 1872년, 캔버스의 유화 63 x 48cmm
<그랑드자트 섬의 일요일> 조르주 쇠라, 캔버스의 유화, 1884년, 308 x 207.5cmm
<해바라기> 빈센트 반 고흐, 캔버스의 유화, 1888년, 73 x 92cmm
<별과 달이 빛나는 밤>
<아베 마리아> 고갱, 캔버스의 유화, 1891년, 88 x 114cmm
<생트 빅투아르 산> 폴 세잔, 캔버스의 유화, 1898년, 169 x 54cmm
 
 
< 현대미술 > "볼 거리가 너무너무 많아요..."
 

- 20세기 -

자동차, 지하철, 비행기, 우주선 그리고 컴퓨터가 발명된 20세기는 과학과 기계가 더욱 더 발전했습니다. 사람들은 과학의 발달로 인하여 생활이 더욱 편해졌고, 온 세상이 평화를 유지하는 듯 보였습니다. 그러나 서구의 나라들이 아프리카나 아시아 지역으로 침범해서 이를 식민지 나라로 만들면서, 세계는 사실상 그렇게 평화롭지 만은 않았습니다. 그리고 결국 터진 것이 제 1차 세계대전과 제 2차 세계대전 입니다.

사람들은 전쟁 중에 기계가 많은 사람들을 죽이는 데에 도움이 된 것을 보고, 기계와 과학에 대해서 증오를 느끼기 시작했습니다. 또한 더 이상 이 세상의 겉 모습을 믿지 않았습니다.이처럼 시대가 바뀌었을 뿐 만 아니라 사람들의 생각도 바뀌었고 그리고 세계에 대한 이러한 변화된 태도는 미술에도 큰 영향을 끼쳤습니다. 20세기의 화가들은 실제로 존재하는 실물에 가장 가깝게 그리는 미술의 목표에서 더욱 멀어졌습니다. 그리고 아울러 실제에 가까운 그림을 그리기 위해서 필요했던 그림 그리는 방식인 '원근법'과 '명암법'을 포기하게 되었습니다.


* 야수파 - "색깔로 모든 것을 표현하고자 해요!"
1905년 '살롱 도톤느'라는 프랑스의 유명한 전시회에서 마티스 등의 여러 화가들은 아주 강렬한 색채로 그린 그림을 전시했고, 이 전시를 보고 간 한 기자가 이들의 그림을 보고 '야수'같다고 하여 이 화가들에게는 '야수파'라는 이름이 붙여졌다고 합니다.

이 전시회의 그림 중에서 가장 충격적이었던 것은 마티스라는 화가의 초상화 그림인 <모자를 쓴 여인>(1905)이었습니다. 이 그림을 살펴보면 인물의 피부색은 보통의 초상화에서 흔히 사용하는 살색과는 달리, 빨간색, 초록색, 주황색, 파란색, 등의 강한 색깔로 칠해져 있어 사실과 무척 달랐습니다. 또 다른 마티스의 그림 <초록색의 선>(1905)에서도 모델이 된 여인은 머리가 푸른색 그리고 얼굴의 반쪽이 초록색을 띱니다.

이처럼 야수파 화가들은 그림을 그리는 구성 요소 중에 특히 색깔을 무척 중요하게 생각했습니다. 그리고 이들은 우리가 흔히 눈으로 볼 수 있는 실물에 가깝게 색깔을 칠한 것이 아니라, 원색에 가까운 강한 색깔을 주로 사용해서 그림 전체를 색깔로 표현했답니다. 그 결과 그림 속의 사람과 그 주변 공간을 모두 실제처럼 느껴지게 하는 방법인 명암법이나 원근법이 거의 사용되지 않았습니다.

  모자를 쓴 여인
 
 
 
마티스의 부인: 초록색의 선
 

* 입체주의 - "눈에 보이지 않는 부분까지 그리려고 해요!"
'입체주의'하면 먼저 떠올라야 될 화가는 세잔느입니다. 세잔느는 모든 것을 입체감이 있는 형태로 그리기를 좋아한 화가였지요? 그런데 이런 세잔느로부터 가장 큰 영향을 받은 것이 입체주의의 화가들 피카소와 브라크입니다.

입체주의는 피카소의 악명 높은 그림 <아비뇽의 아가씨들>(1907)로 시작됩니다. 과거의 아름다운 여인의 모습보다는 오히려 괴물과도 같은 여인들을 그린 이 그림에서는 여인의 몸매가 뒤틀려 있는 것은 왜 그럴까요? 특히 오른쪽 아래에 있는 아가씨는 얼굴은 앞을 보고 있는데 몸은 등을 돌리고 있습니다. 또한 얼굴도 눈은 앞을 똑바로 본 모습인데 코는 옆으로 본 모습이 동시에 그려져 있어요. 이러한 모습이 가능한 것일까요? 이것은 눈에 보이는 것 뿐 만 아니라 눈에 보이지 않는 것까지 함께 그리려는 피카소의 뜻이며 입체주의 그림의 뜻입니다.

  아비뇽의 아가씨들


* 추상화
'추상'이란 무슨 뜻일까요? 우리가 여태까지 살펴본 그림 속에는 우리가 알아볼 수 있는 어떤 사람과 물건이 그려져 있거나 또는 그림을 통해 어떤 이야기가 전달되어서 그림을 비교적 쉽게 이해할 수 있었어요. 그러나 만약 그 그림이 알 수 없는 형태와 의미를 담고 있다면 그 그림을 어떻게 이해해야 될까요? 이처럼 특별한 이야기나 의미를 지니지 않고, 선, 색, 형태 등의 그림의 구성 요소로만 어떤 생각이나 감정을 표현한 것을 '추상'이라 부릅니다. 초기에 추상 그림을 그리기로 유명한 화가들로는 칸딘스키와 몬드리앙을 꼽을 수 있습니다. 음악과 같이 마음을 움직이는 그림을 그리고자 한 칸딘스키는 1910년에 수채화로 된 첫 추상 그림을 그렸습니다.

그리고 우주의 평온함을 나타내주는 그림을 그리고자 한 몬드리앙도 비슷한 시기에 밝은 원색의 사각형으로 된 추상 그림을 그렸습니다. 우리는 특별히 그림을 통해서 마음을 움직이게 하는 칸딘스키의 그림을 '뜨거운 추상'으로, 그리고 마음을 차분하게 가라앉게 하는 몬드리앙의 그림을 '차가운 추상'으로 부르기도 합니다. 이외에도 수 많은 화가들이 오늘날에 이르기까지 추상 그림을 그리고 있습니다.

  즉흥31
  핑크빛 악센트
붉은색, 황색,청색의 다이아몬드
     
<모자를 쓴 여인> 앙리 마티스, 캔버스에 유화, 1905년
<마티스의 부인: 녹색의 선> 조앙리 마티스, 캔버스에 유화, 1905년, 32.5 x 40.5cm
<아비뇽의 처녀들> 파블로 피카소, 캔버스에 유화, 1907년, 234 x 244cm
<즉흥31> 바실리 칸딘스키, 1913년, 120 x 140cm
<핑크빛 악센트> 바실리 칸딘스키, 1926년, 81 x 101cm
<붉은색, 황색,청색의 다이아몬드> 피에 몬드리안, 1921/25년경, 142 x 143cm